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Welcome to the Residence of the United States Ambassador to Peru, built over eighty years ago as a symbol of the enduring and indispensable partnership between our two countries. Gautam and I are honored to follow in the footsteps of the former U.S. Ambassadors to Peru in upholding our shared values of democratic principles, robust and mutually beneficial free trade, environmental stewardship, and respect for each of our history and culture.
These values resonate profoundly throughout our Art in Embassies exhibition, harmoniously integrated into the 1940s Spanish revival architecture of the residence—merging grandeur with warmth. This beautiful space celebrates our shared history and provides an elegant backdrop for a robust and ongoing dialogue captured in a curated collection of artwork from the United States and Peru. Read More
Bienvenidos a la Residencia de la Embajadora de los Estados Unidos de América al Perú, construida hace más de ochenta años como un símbolo de la duradera e indispensable relación entre nuestros dos países. Gautam y yo nos sentimos honrados de seguir los pasos de los Embajadores de los Estados Unidos de América que nos antecedieron, manteniendo vivos los valores que compartimos, como son los principios democráticos, un libre comercio sólido y mutuamente beneficioso, el cuidado del medio ambiente y el respeto por la historia y cultura de cada uno de nuestros países.
Estos valores resuenan profundamente en nuestra exposición Arte en las Embajadas, armoniosamente integrada al diseño de la casa construida en los años cuarenta, inspirada en la arquitectura renacentista española que combina grandeza con calidez. Este hermoso espacio celebra nuestra historia compartida y proporciona una elegante área de exhibición para un diálogo sólido y continúo plasmado en una colección de obras de arte de Estados Unidos de América y Perú. Read More
“My work acknowledges and embraces the property of the material—both sensational and perceptional—and then provides the material a new context. I sculpt with paint,” says Jenny Wu. “I pour latex paint one thick layer at a time, let each layer dry, and repeat the process thirty to forty times. I then cut into the dried layer paint, reveal the cross section, and use those dried paint layers to sculpt.”
We Are Closer Now to 2050 Than 1990, her piece in this exhibition, serves as a poignant reflection on time and progress. Wu’s work has been exhibited in galleries and museums across the world.
“Mi trabajo reconoce y abraza la propiedad del material—tanto sensorial como perceptual—y luego le proporciona un nuevo contexto. Esculpo con pintura,” dice Jenny Wu. “Vierto pintura de látex capa por capa, dejando secar cada capa antes de repetir el proceso entre treinta y cuarenta veces. Luego corto en la capa de pintura seca, revelo la sección transversal y utilizo esas capas de pintura seca para esculpir.”
Estamos más cerca ahora a 2050 que a 1990, su obra en esta exposición, sirve como una reflexión conmovedora sobre el tiempo y el progreso. El trabajo de Wu ha sido exhibido en galerías y museos de todo el mundo.
Painter Benjamin Murphy is fascinated by art’s ability to convey complicated ideas about humankind. His work focuses on science, invention, and our growing understanding of the world in which we live. Not bound to traditional mediums, Murphy often experiments with new technologies and incorporates them into his practice. He is an active supporter of the regional art community in Oklahoma, and one of his most recent projects is a large-scale public art commission for the lobby of the National Weather Center in Norman.
El pintor Benjamin Murphy está fascinado por la capacidad del arte para transmitir ideas complicadas sobre la humanidad. Su trabajo se centra en la ciencia, la invención y nuestra creciente comprensión del mundo en el que vivimos. No limitado a los medios tradicionales, Murphy a menudo experimenta con nuevas tecnologías e incorpora estas en su práctica. Es un firme defensor de la comunidad artística regional en Oklahoma, y uno de sus proyectos más recientes es una comisión de arte público a gran escala para el vestíbulo del National Weather Center en Norman.
Widely known as the father of Peruvian photography, photographer Martín Chambi’s work portrayed the traditions and people of the southern Andes during the early twentieth century. “I feel that I am a representative of my race; my people speak through my photographs,” he said. His landscapes and his portraits “challenged traditional understandings of national identity and representation, and it was through his extensive photographic records, publications, and postcard production that he radically changed perceptions of the region, leaving an indelible mark on Peruvian visual culture.” Read More
Conocido como el padre de la fotografía peruana, el trabajo de Martín Chambi retrató las tradiciones y la gente de los Andes del sur durante principios del siglo XX. “Siento que soy un representante de mi raza; mi gente habla a través de mis fotografías,” dijo. Sus paisajes y retratos “desafiaron las comprensiones tradicionales de la identidad nacional y la representación, y fue a través de sus extensos registros fotográficos, publicaciones y producción de postales que cambió radicalmente las percepciones de la región, dejando una huella indeleble en la cultura visual peruana.” Read More
Peruvian artist Juan José Barboza-Gubo explores themes of identity and the relationship between the individual and their environment. His practice is “a revelation of the complexity and beauty that resides within each of us. It is an attempt to break free from imposed limitations and find a unique voice.” The striking red crystal sculpture in this exhibition is part of his Cruor-Proelium-Servus (or Blood-Battle-Servant) series comprised of works that “illustrate a series of moments in life, a rite of passage where the places and characters are not unfamiliar. The battle is internal, and it is cyclical. It is an act of destruction, a slash-and-burn method to shed the layers of oppressive influence, manipulation, and judgment. It denies the rules established by the often profane system of man-made principles. It is a spiritual act of turning yourself inside out in a quest for purity and truth,” he says.
El artista peruano Juan José Barboza-Gubo explora temas de identidad y la relación entre el individuo y su entorno. Su práctica es “una revelación de la complejidad y la belleza que reside dentro de cada uno de nosotros. Es un intento de liberarse de las limitaciones impuestas y encontrar una voz única.” La llamativa escultura de cristal rojo en esta exposición es parte de su serie Cruor-Proelium-Servus, compuesta por obras que según dice “ilustran una serie de momentos en la vida, un rito de paso donde los lugares y los personajes no son ajenos. La batalla es interna, y es cíclica. Es un acto de destrucción, un método de tala y quema para despojarse de las capas de influencia opresiva, manipulación y juicio. Niega las reglas establecidas por el a menudo profano sistema de principios creados por el hombre. Es un acto espiritual de volverse hacia adentro en una búsqueda de pureza y verdad.”
Joseph K. Dixon was a photographer best known for his portraits of the Indigenous peoples of North America. Beginning in 1908, Dixon led three expeditions, sponsored by philanthropist and department store magnate Rodman Wanamaker, to document the lives and cultures of Native peoples. These trips were inspired by Wanamaker and Dixon’s belief that Native Americans were fated to become a “noble, though vanishing race,” a popular notion used to justify the violent tides of westward expansion during the nineteenth century. Read More
Joseph K. Dixon fue un fotógrafo conocido por sus retratos de los pueblos indígenas de América del Norte. A partir de 1908, Dixon lideró tres expediciones, patrocinadas por el filántropo y magnate de los grandes almacenes Rodman Wanamaker, para documentar la vida y las culturas de los pueblos nativos. Estos viajes fueron inspirados por la creencia de Wanamaker y Dixon de que los nativos americanos estaban destinados a convertirse en una “raza noble, aunque en extinción”, una noción popular utilizada para justificar las violentas oleadas de expansión hacia el oeste durante el siglo XIX. Read More
Digital photographer and retoucher Zach Vitale’s work often still includes elements of his math background: pattern, frequency, repetition, and logic. Please Listen to Me, part of his Binary series, explores the vulnerability and emotional depth of human connection. Excluding the measures of rest, the work depicts Beethoven’s “Moonlight Sonata,” with each measure hand-drawn on a chalkboard. “The Binary work is about looking at something to find the balance between fluidly communicating with others while preserving one’s sense of self,” Vitale says. Read More
El fotógrafo digital y retocador Zach Vitale a menudo incluye elementos de su formación en matemáticas en su trabajo: patrón, frecuencia, repetición y lógica. Por favor, escúchame, parte de su serie Binary, explora la vulnerabilidad y la profundidad emocional de la conexión humana. Excluyendo las medidas de descanso, la obra representa la “Sonata al claro de luna” de Beethoven, con cada compás dibujado a mano en una pizarra.”El trabajo Binary trata sobre mirar algo para encontrar el equilibrio entre comunicarse fluidamente con los demás mientras se preserva el sentido de uno mismo,”dice Vitale.Read More
Peruvian artist Cindy Ramirez’s Monolitos triptych explores the evolution of Andean weaving through generations, blending traditional embroidery with modern digital tools, creating a dialogue between past and present. In the piece, a perspective drawing of a weaving frame intersects with a totem. The viewer notices the construction of certain pre-Hispanic symbols with pixels fused with a QR code, and an allusion to digital aesthetics with the use of metallic threads that draw an electronic circuit.
La artista peruana Cindy Ramirez explora la evolución del tejido andino a través de generaciones en su tríptico Monolitos, fusionando el bordado tradicional con herramientas digitales modernas, creando un diálogo entre el pasado y el presente. En la pieza, un dibujo en perspectiva de un telar se cruza con un tótem. El espectador nota la construcción de ciertos símbolos prehispánicos con píxeles fusionados con un código QR, y una alusión a la estética digital mediante el uso de hilos metálicos que trazan un circuito electrónico.
Joan Jiménez, professionally known as Entes, has been a muralist and urban artist for more than twenty-five years. Known for his mural work on the streets of Lima, his characters often have deep set gazes that tell stories of life on the streets. His painting in this exhibition, A bottle of pisco to start, pays homage to Peru’s national drink, pisco, while reflecting his connection to his cultural heritage. Entes, and his often times collaborator Pésimo, created a graffiti festival in Peru called Latidoamericano, which became popular on a global scale.
Joan Jiménez, profesionalmente conocido como Entes, ha sido muralista y artista urbano durante más de veinticinco años. Conocido por su trabajo mural en las calles de Lima, sus personajes a menudo tienen miradas profundas que cuentan historias de la vida en la calle. Su pintura en esta exposición, Una res de pisco para empezar, rinde homenaje a la bebida nacional de Perú, el pisco, mientras refleja su conexión con su herencia cultural. Entes, y su frecuente colaborador Pésimo, crearon un festival de grafiti en Perú llamado Latidoamericano, que se hizo popular a nivel global.
Yolanda Fae is an accomplished photographer who grew up between Mexico, Peru, and Switzerland. In 2009, she received the Casa Cor award for the boldest design space and was named an ambassador for SONY Peru. She also became the official photographer for Ernesto Tito Paz’s consultancy, which oversees the Miss World Peru, Señora Perú Mundo, and Miss Universe Peru pageants. In her work she uses macro photography to capture the beauty of nature, exploring it from an almost abstract perspective.
Yolanda Fae es una fotógrafa destacada que creció entre México, Perú y Suiza. En 2009, recibió el premio Casa Cor por espacio de diseño más audaz y fue nombrada embajadora de SONY Perú. También se convirtió en la fotógrafa oficial de la consultoría de Ernesto Tito Paz, que supervisa los certámenes de Miss Mundo Perú, Señora Perú Mundo y Miss Universo Perú. En su trabajo utiliza la fotografía macro para capturar la belleza de la naturaleza, explorándola desde una perspectiva casi abstracta.
Painter Hana Shannon specializes in capturing the inner selves of the subjects of her portraits. Inspired by the energy and freedom of New York City, color is a dominant force in her work. Amanda Gorman was created based on “strong, interesting, and talented women I admire and who inspire me,” said Shannon. Gorman, a self-described wordsmith and change maker, is the youngest inaugural poet in U.S. history. Shannon’s bold use of color and composition highlights Gorman’s impact in the transformative power of art and storytelling.
La pintora Hana Shannon se especializa en capturar los yo internos de los sujetos de sus retratos. Inspirada por la energía y libertad de la ciudad de Nueva York, el color es una fuerza dominante en su trabajo. Shannon comentó que Amanda Gorman fue creada a partir de “mujeres fuertes, interesantes y talentosas que admiro y que me inspiran.” Gorman, una poetisa autodidacta y creadora de cambios, es la poeta inaugural más joven en la historia de EE. UU. El audaz uso del color y la composición de Shannon resalta el impacto de Gorman en el poder transformador del arte y la narración de historias.
Gedión Fernández was introduced to ceramics by his grandfather at age seven. He began making pottery in the traditional style of Quinua, his hometown, and later developed his own style, including full-sized clay musicians. Saxophonist Pablo, one of these works, captures the spirit of music and creative expression. The artist’s dedication to ceramics helped to strengthen the identity of the medium in Peru and attract a wider audience for the country’s traditional art forms.
Gedión Fernández fue introducido a la cerámica por su abuelo a los siete años. Comenzó a hacer cerámica en el estilo tradicional de Quinua, su ciudad natal, y más tarde desarrolló su propio estilo, incluyendo músicos de arcilla a tamaño real. Saxofonista Pablo, una de estas obras, captura el espíritu de la música y la expresión creativa. La dedicación del artista a la cerámica ayudó a fortalecer la identidad de este medio en Perú y a atraer una audiencia más amplia para las formas de arte tradicionales del país.
Peruvian artist Tania Bedriñana investigates the relationships between nature, the body, and space, highlighting the interaction between humans and their environment. Her paintings, drawings, sculptures, and installations combine natural elements and industrial materials, reflecting on the interaction between the organic and the constructed. From my neighborhood portrays vivid, intimate scenes from the artist’s community. Bedriñana graduated from the Pontifical Catholic University of Peru, and her work has been exhibited in Peru and abroad.
La artista peruana Tania Bedriñana investiga las relaciones entre la naturaleza, el cuerpo y el espacio, destacando la interacción entre los seres humanos y su entorno. Sus pinturas, dibujos, esculturas e instalaciones combinan elementos naturales y materiales industriales, reflexionando sobre la interacción entre lo orgánico y lo construido. De mi Barrio retrata escenas vividas e íntimas de la comunidad de la artista. Bedriñana se graduó de la Pontificia Universidad Católica del Perú, y su trabajo ha sido exhibido en Perú y en el extranjero.
Natalie Cheung draws from the rich history of photography and investigates the push and pull between physical and captured reality. Her expressive works begin with light and gesture, sometimes construed as calm and contemplative and others as aggressive or panicked apprehension. Created specifically for this exhibition, Cheung’s watercolors reference her cyanotype photography, a camera-less photo technique that is a focus of her artist practice. Her work is held in the collections of the Museum of Fine Art, Houston; the British Council; and the DC Commission on the Arts and Humanities, among others.
Natalie Cheung juega con la rica historia de la fotografía e investiga la tensión entre la realidad física y la capturada. Sus obras expresivas comienzan con la luz y el gesto, a veces interpretadas como tranquilas y contemplativas, y otras como agresivas o de aprehensión angustiada. Creadas específicamente para esta exposición, las acuarelas de Cheung hacen referencia a su fotografía en cianotipo, una técnica fotográfica sin cámara que es un enfoque central en su práctica artística. Su trabajo se encuentra en las colecciones del Museum of Fine Art de Houston; el British Council; y la DC Commission on the Arts and Humanities, entre otras.
Katherine Tzu-Lan Mann’s practice stems from abstraction and traditional Chinese ink painting. She begins each work with unplanned stains of colored ink that provide the base for complex networks of imagery, “coaxing from this organic foundation the development of diverse, decorative forms: braids of hair, details from Beijing opera costuming, lattice work, sequined patterns. Although founded in adornment, these elements are repeated until they too, appear organic, even cancerous, as they at once highlight and suffocate the underlying ink-stained foundation.” Palm Summit combines acrylic, sumi ink, and collage to create a vibrant and dynamic composition.
La práctica de Katherine Tzu-Lan Mann proviene de la abstracción y la pintura tradicional china con tinta. Comienza cada obra con manchas no planificadas de tinta coloreada que proporcionan la base para redes complejas de imágenes, “sugiriendo desde esta base orgánica el desarrollo de diversas formas decorativas: trenzas de cabello, detalles del vestuario de la ópera de Pekín, trabajos en celosía, patrones de lentejuelas. Aunque basados en el adorno, estos elementos se repiten hasta que también ellos parecen orgánicos, incluso cancerosos, ya que al mismo tiempo resaltan y sofocan la base subyacente manchada de tinta.” Palm Summit combina acrílico, tinta sumi y collage para crear una composición vibrante y dinámica.
Yolanda Fae is an accomplished photographer who grew up between Mexico, Peru, and Switzerland. In 2009, she received the Casa Cor award for the boldest design space and was named an ambassador for SONY Peru. She also became the official photographer for Ernesto Tito Paz’s consultancy, which oversees the Miss World Peru, Señora Perú Mundo, and Miss Universe Peru pageants. In her work she uses macro photography to capture the beauty of nature, exploring it from an almost abstract perspective. The use of color and light in her photographs allows her to explore inner worlds, giving free rein to an unlimited imagination.
Yolanda Fae es una fotógrafa destacada que creció entre México, Perú y Suiza. En 2009, recibió el premio Casa Cor por espacio de diseño más audaz y fue nombrada embajadora de SONY Perú. También se convirtió en la fotógrafa oficial de la consultoría de Ernesto Tito Paz, que supervisa los certámenes de Miss Mundo Perú, Señora Perú Mundo y Miss Universo Perú. En su trabajo utiliza la fotografía macro para capturar la belleza de la naturaleza, explorándola desde una perspectiva casi abstracta. El uso del color y la luz en sus fotografías le permite explorar mundos interiores, dando rienda suelta a una imaginación ilimitada.
Mark Fleuridor’s work reflects on the cycles of life and the intimate connections between heritage and identity. Working with materials like family photographs and found objects helps him understand his past and present. Avocado Season, his quilt in this exhibition, combines several mediums to tell a deeply personal story of growth, family, and renewal that celebrates the vibrancy and warmth of familial bonds. Fleuridor earned a Bachelor of Fine Art degree in painting from the Maryland Institute College of Art and was named a Knight Arts Champion, a group of South Florida community leaders who have contributed to the region’s rich arts and culture scene.
El trabajo de Mark Fleuridor reflexiona sobre los ciclos de la vida y las conexiones íntimas entre la herencia y la identidad. Al trabajar con materiales como fotografías familiares y objetos encontrados, busca comprender su pasado y su presente. Estación de paltas, la colcha que presenta en esta exposición, combina varios medios para contar una historia profundamente personal de crecimiento, familia y renovación, que celebra la vitalidad y el calor de los lazos familiares. Fleuridor obtuvo una licenciatura en Bellas Artes en pintura del Maryland Institute College of Art y fue nombrado Caballero de las Artes, un grupo de líderes comunitarios del sur de Florida que han contribuido a la rica escena artística y cultural de la región.
Peruvian artist Mariella Agois’s multidisciplinary practice—sculpture, photography, drawing, and installation—focuses on the relationship between materials, forms, and the perception of space. Her abstract works examine the interaction between light, shadow, and texture, resulting in compositions that play with balance in space. She graduated from the School of the Art Institute of Chicago and the Faculty of Arts at the Pontifical Catholic University of Peru, and her work has been exhibited in Peru and abroad.
La práctica multidisciplinaria de la artista peruana Mariella Agois—escultura, fotografía, dibujo e instalación—se centra en la relación entre los materiales, las formas y la percepción del espacio. Sus obras abstractas examinan la interacción entre la luz, la sombra y la textura, lo que da como resultado composiciones que juegan con el equilibrio en el espacio. Se graduó de la Escuela del Instituto de Arte de Chicago y de la Facultad de Artes de la Pontificia Universidad Católica del Perú, y su trabajo ha sido exhibido en Perú y en el extranjero.
Petra Haas concentrates her work specifically on theorem still-life painting, an early nineteenth-century technique made on cotton velveteen, silk, or watercolor paper using stencils. Having time for experimentation, Haas explained, has made all the difference in her work: “I truly feel that I haven’t painted my best piece yet…That’s how your art keeps growing. It stays alive this way because you’re always looking for new ideas and new directions.” Yes We Have No Bananas features various berries, exports of which from Peru to the United States in 2023 generated more than $1 billion in revenue and supported the creation of thousands of agricultural jobs. This exchange is possible because of the Trade Promotion Agreement, which celebrated its fifteenth anniversary in 2024.
Petra Haas concentra su trabajo específicamente en la pintura de bodegones teóricos, una técnica del siglo XIX realizada sobre terciopelo de algodón, seda o papel acuarela utilizando plantillas. Haber tenido tiempo para la experimentación, explicó Haas, ha marcado toda la diferencia en su trabajo: “Realmente siento que aún no he pintado mi mejor obra… Así es como tu arte sigue creciendo. Se mantiene vivo de esta manera porque siempre estás buscando nuevas ideas y nuevos rumbos.” Sí, no tenemos bananas presenta varias bayas, cuyas exportaciones de Perú a los Estados Unidos en 2023 generaron más de mil millones de dólares en ingresos y apoyaron la creación de miles de empleos agrícolas. Este intercambio es posible gracias al Acuerdo de Promoción Comercial, que celebró su decimoquinto aniversario en 2024.
Nancy Graves’s ouvre spans multiples disciplines, encompassing sculpture, painting, drawing, watercolor, print, avant-garde film, and set decoration. Through a lens she described as “objective,” Graves converted scientific sources such as diagrams and maps into art by distilling and reproducing their intricate information in detailed drawings and paintings. This serigraph captures the geography of the Montes Apenninus region of the moon, a mountain range known for its striking appearance and peaks that reach five kilometers or more than three miles. Graves’ interdisciplinary approach blends the technical precision of cartography with artistic abstraction, offering a new lens on celestial landscapes.
La obra de Nancy Graves abarca múltiples disciplinas, incluyendo escultura, pintura, dibujo, acuarela, grabado, cine vanguardista y decoración de escenarios. A través de un lente que ella describía como “objetivo”, Graves convirtió fuentes científicas, como diagramas y mapas, en arte, destilando y reproduciendo su intrincada información en detallados dibujos y pinturas. Esta serigrafía captura la geografía de la región de los Montes Apenninus en la luna, una cadena montañosa conocida por su apariencia impresionante y picos que alcanzan los cinco kilómetros o más de tres millas. El enfoque interdisciplinario de Graves fusiona la precisión técnica de la cartografía con la abstracción artística, ofreciendo una nueva perspectiva sobre los paisajes celestes.
“My artwork reflects a varied intellectual experience and development as an artist. In Lima, Peru, where I grew up, the color of the Andes blends with the gray of urban chaos. In New York, I lived for sixteen years surrounded by people of different cultures, and now I live in the small, green town of Carrboro, North Carolina. These cultural and geographical elements are part of my identity,” says Renzo Ortega. 001 – Pueblo Libre, his work in this exhibition, reflects on urban identity and the historical layers of Peruvian cities. The title references the Pueblo Libre district in Lima, evoking a sense of place and cultural memory. Ortega is interested in viewers’ interactions with his work and therefore seeks to produce experiences that welcome those viewers and create connection through their interpretations.
“Mi obra refleja una experiencia intelectual variada y el desarrollo como artista. En Lima, Perú, donde crecí, el color de los Andes se mezcla con el gris del caos urbano. En Nueva York, viví dieciséis años rodeado de personas de diferentes culturas, y ahora vivo en el pequeño y verde pueblo de Carrboro, Carolina del Norte. Estos elementos culturales y geográficos son parte de mi identidad,” dice Renzo Ortega. 001 – Pueblo Libre, su obra en esta exposición, reflexiona sobre la identidad urbana y las capas históricas de las ciudades peruanas. El título hace referencia al distrito de Pueblo Libre en Lima, evocando un sentido de lugar y memoria cultural. Ortega está interesado en la interacción de los espectadores con su obra y, por lo tanto, busca producir experiencias que den la bienvenida a esos espectadores y creen una conexión a través de sus interpretaciones.
Photojournalist Nicole Bengiveno’s work can be described as a blend of “sophisticated visual composition with an immediate connection to everyday people.” Covering news stories large and small, Bengiveno relies on her ability to cultivate relationships with her subjects. “You have to make a commitment to be there so they forget that you are there—so you disappear,” she said. “I feel it’s an honor when someone trusts you enough to let you into their lives.” Even when not covering a story, Bengiveno has a photographer’s eye: “I love the act of seeing,” she said. “Whenever I am outside walking, I find myself taking pictures—without a camera. I do that all the time.” Shadowland, (East Village, New York City) encapsulates the vibrancy, complexity, and layered histories of the neighborhood.
El trabajo de la fotoperiodista Nicole Bengiveno se puede describir como una mezcla de “composición visual sofisticada con una conexión inmediata con la gente común.” Cubriendo noticias grandes y pequeñas, Bengiveno depende de su capacidad para cultivar relaciones con sus sujetos. “Tienes que comprometerte a estar allí para que ellos se olviden de que estás ahí—para que desaparezcas,” dijo. “Siento que es un honor cuando alguien confía lo suficiente en ti como para dejarte entrar en su vida.” Incluso cuando no está cubriendo una historia, Bengiveno tiene el ojo de una fotógrafa: “Me encanta el acto de ver,” dijo. “Siempre que estoy afuera caminando, me encuentro tomando fotos—sin cámara. Lo hago todo el tiempo.” Tierra de Sombras (East Village, Nueva York) encapsula la vitalidad, complejidad y las historias múltiples del vecindario.
